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13. Mai – 2. September 2012

Die Fondation Beyeler zeigt die erste Ausstellung des amerikanischen Künstlers Jeff Koons (*1955) in einem Schweizer Museum. Der wohl bekannteste lebende Künstler sorgt mit seinen unverkennbaren, die Populär- und Hochkultur verbindenden Kunstwerken seit Jahrzehnten für grosses Aufsehen.

Die Ausstellung widmet sich in einer umfangreichen Präsentation drei zentralen Werkgruppen – The New, Banality und Celebration –, die entscheidende Etappen in Koons’ künstlerischer Entwicklung markieren und mitten ins Schaffen und Denken des Künstlers führen. The New umfasst die Readymade-artigen Reinigungsgeräte aus der frühen Zeit, Sinnbilder des Neuen und Reinen. Zu Banality gehören jene in traditionellem Handwerk gefertigten Skulpturen aus Porzellan und Holz, die zu (post-)modernen Ikonen geworden sind. In der Serie Celebration, an der Koons seit bald zwanzig Jahren arbeitet, treten schliesslich die in ihrer materiellen Perfektion unverwechselbaren, hochglänzenden Stahlplastiken und grossformatigen Gemälde auf, in denen der Künstler in geradezu barocker Weise die Kindheit feiert.

In seinen ebenso spektakulären wie subtilen Kunstwerken beschäftigt sich Koons immer wieder mit Themen wie Unschuld, Schönheit, Sexualität und Glück. Diese entsprechen seinem Konzept einer für jeden Betrachter zugänglichen Kunst.

Saalheft

The New

Seit seinem frühen Schaffen entstehen Jeff Koons’ Werke innerhalb von geschlossenen Gruppen, die der Künstler jeweils mit einem eigenen Titel versieht. Die erste Werkgruppe, die er von Anfang an als solche plante, trägt den Titel The New. Deren Werke konzipierte Koons zwischen 1980 und 1982, wobei ihre Umsetzung bis 1987 fortgeführt wurde.

 
New Hoover Convertible, 1980, Staubsauger, Acryl und Leuchtstoffröhren, 142,2 x 57,2 x 57,2 cm, Rubell Family Collection, Miami © Jeff Koons. Foto: Jeff Koons Studio / Douglas M. Parker Studio, Los Angeles

New Hoover Convertible, 1980

Dominiert wird die Werkgruppe The New von fabrikneuen Reinigungsgeräten, die, auf Leuchtstoffröhren liegend oder stehend, in kubischen Plexiglasvitrinen inszeniert werden. Je nach Anzahl, Ausführung und Ausrichtung der darin bis zu dreien dargebotenen Staubsauger und/oder Teppichshampoonierer variieren die Masse der Vitrinen, die einzeln oder in Kombination gestapelt aufgestellt werden. In dieser strengen Anordnung, aber auch im Rückgriff auf die Neonröhren verweisen sie nicht zuletzt auf die reduktive Klarheit der Minimal Art. Als Objekte verkörpern die explizit ungebrauchten und daher makellosen Staubsauger bei Koons «das ideale Neue», sie werden also als Zeichen von Ewigkeit, Reinheit und ursprünglicher Unversehrtheit eingesetzt, vergleichbar dem Kinderporträt des Künstlers in The New Jeff Koons.

 
New Shelton Wet/Drys Tripledecker, 1981. Drei Staubsauger, Acryl und Leuchtstoffröhren, 316,2 x 71,1 x 71,1 cm, Des Moines Art Center Permanent Collections, erworben mit dem Erlös aus dem Verkauf einer Schenkung von Roy Halston Frowick, 1991 © Jeff Koons. Foto: Jeff Koons Studio, New York

New Shelton Wet/Drys Tripledecker, 1981

Obwohl die Staubsauger ursprünglich als kommerzielle Funktionsobjekte entstanden sind, inszeniert sie Koons nicht einfach als leblose Ware in sargähnlichen Vitrinen. Vielmehr hebt er die gleichsam biologische und lebendige Qualität der Staubsauger hervor, wenn er sie als «atmende Maschinen» bezeichnet. Ausgehend von den formalen Eigenschaften der Schläuche und Öffnungen, betont Koons aber auch die doppelgeschlechtlichen Merkmale der Reinigungsgeräte, durch die sie wiederum zum Inbegriff ursprünglicher Unversehrtheit werden. So veranschaulichen die Reinigungsgeräte bei Koons auch das Ideal einer Verbindung von Gegensätzen, was bei einigen Staubsaugern durch die auf dem Gehäuse erkennbare und in den Werktitel aufgenommene Modellbezeichnung «Wet/Dry» (nass/trocken) unterstrichen wird.

Banality

Im Jahre 1988 realisierte Koons die bahnbrechende Werkgruppe mit dem Titel Banality, die gleichzeitig in Galerien in Köln, New York und Chicago gezeigt wurde. Während Koons in der Serie The New noch mit dem minimalistisch inszenierten Objekt arbeitete, wechselte er in Banality endgültig zur Skulptur, wobei er sich mehr an einer barocken Populärästhetik orientierte. In seiner viel beachteten Banality-Serie stellte Koons nicht nur den Kunstbegriff auf neue Grundlagen, sondern avancierte endgültig zum Star der internationalen Kunstszene. Als Serie besteht Banality aus zwanzig skulpturalen Figuren, die vom Künstler bis ins letzte Detail konzipiert sind. In einer Auflage von drei Stück und einem Belegexemplar für den Künstler liess Koons seine Skulpturen von professionellen Kunsthandwerkern realisieren, die jedes Werk gut sichtbar mit ihrem Namen signierten, während er seine Unterschrift unter der Skulptur anbrachte. Als Gruppe fügen sich die Banality-Figuren zu einem grossen Gesamtbild zusammen, in dem Koons’ Kunstprogramm zum Ausdruck kommt: «Banality sollte den Leuten ein Gefühl der Sicherheit im Hinblick auf ihre eigene Vergangenheit vermitteln, ihnen helfen, ihre Vergangenheit zu akzeptieren. Es war bis dahin mein direktester Versuch zu sagen, dass Kunst nicht diese trennende, diskriminierende Instanz zwischen Menschen sein sollte.»

 
Ushering in Banality, 1988. Gefasstes Holz, 96,5 x 157,5 x 76,2 cm, Privatsammlung © Jeff Koons. Foto: Schaub/Höffner, Köln / © TASCHEN GmbH

Ushering in Banality, 1988

Der Leitgedanke der Werkgruppe Banality – die über das vermeintlich Banale vermittelte Selbstakzeptanz des Betrachters – äussert sich in der richtunggebenden polychromen Holzskulptur Ushering in Banality auf besonders deutliche Weise. Wie der Werktitel nahelegt, wird hier ein Schwein von zwei Putten und einem kleinen Jungen in die Banalität «eingeführt», und zugleich wird es selbst zum Sinnbild des «Banalen», in das auch der Betrachter eingeführt wird. Der Begriff der Banalität erfährt bei Koons nicht nur eine positive Wendung, sondern wird sogar zu einem künstlerischen Grundideal erhoben. Nicht von ungefähr hat sich der Künstler selbst mit dem rot gekleideten Knaben hinter dem Schwein identifiziert, der für eine Komplizenschaft zwischen Mensch und Tier steht, die viele Werke der Banality-Serie kennzeichnet. Ähnlich wie in The New Jeff Koons ist es in Ushering in Banality der Künstler als Kind, der den Weg weist.

 
Michael Jackson and Bubbles, 1988. Porzellan, 106,7 x 179,1 x 82,6 cm, The Broad Art Foundation, Santa Monica © Jeff Koons. Foto: Jeff Koons Studio / Douglas M. Parker Studio, Los Angeles

Michael Jackson and Bubbles, 1988

Als zeitgenössische «Pietà» bezeichnet Jeff Koons seine legendäre Porzellanplastik Michael Jackson and Bubbles, die heute selbst zur postmodernen Ikone geworden ist. Der zum Monument erhobene Superstar posiert darin, umgeben von goldenen Rosen, heldenhaft wie ein moderner Orpheus. Auf seinem Schoss ruht sein Affe Bubbles, dessen künstliche Erscheinung jener seines menschlichen Gegenübers entspricht. In seiner ambivalenten Gestalt steht gerade Michael Jackson für die Aufhebung geschlechtlicher, ethnischer, artenspezifischer, ästhetischer und sozialer Unterschiede in einer Person und vertritt somit auch Koons’ Ideal einer alle Gegensätze vereinenden, «antidiskriminierenden» Kunst, mit der er das grösstmögliche Publikum zu erreichen sucht.

 
Pink Panther, 1988. Porzellan, 104,1 x 52,1 x 48,3 cm, Courtesy The Brant Foundation, Greenwich, Connecticut © Jeff Koons. Foto: Schaub/Höffner, Köln / © TASCHEN GmbH

Pink Panther, 1988

Neben der im vorhergehenden Raum gezeigten Woman in Tub gehört die an ein Pin-up-Girl erinnernde Porzellanfigur Pink Panther zu jenen Werken, denen Koons, wie er selbst erklärt, das Motiv der «Masturbation als Metapher für kulturelle Schuld und Scham» zugrunde gelegt hat. Gerade von solchen Schuld- und Schamgefühlen versucht der Künstler den Betrachter zu befreien, indem er ihn auffordert, zu seinen unterdrückten ästhetischen Präferenzen zu stehen. So thematisiert Pink Panther auch jene Verbindung von Reinheit und Sexualität, die in Koons’ Werken wiederholt aufgegriffen wird. In Pink Panther drückt sich aber auch das rein formale und kompositorische Interesse von Koons’ skulpturalem Denken besonders anschaulich aus. So besticht Pink Panther im erotisch-spannungsvollen Verhältnis zwischen Frau und Tier nicht zuletzt durch seine skulpturale Mehransichtigkeit, die sich auf die manieristische Tradition der figura serpentinata, der dynamisch gewundenen Figur, zurückführen lässt.

Celebration

Anfänglich nur als kleines Projekt für einen Kalender gedacht, stellt die Werkgruppe Celebration bis heute Koons’ wohl aufwendigste Serie dar. 1994 beginnend, war der Künstler viele Jahre mit diesem gewaltigen Projekt beschäftigt, das sich aus monumentalen Plastiken aus Polyäthylen oder hochlegiertem rostfreiem Chromstahl sowie grossformatigen Ölgemälden zusammensetzt. Die Entstehungsgeschichte von Celebration ist von Koons’ familiären Verwicklungen geprägt, die mit der Geburt seines Sohnes Ludwig Maximilian im Jahre 1992 zusammenhängen. Gerade in ihrem Charakter als «Fest des Kindlichen» lässt sich die Celebration-Serie auch als ein Liebesbeweis des Vaters an den ihm entzogenen Sohn verstehen.

 
Balloon Dog (Red), 1994–2000. Hochlegierter rostfreier Chromstahl mit transparenter Farbglasur, 307,3 x 363,2 x 114,3 cm, Privatsammlung, Europa © Jeff Koons. Foto: Jeff Koons Studio, New York

Balloon Dog (Red), 1994–2000

Luftgefüllte Objekte interessieren Koons seit seinen künstlerischen Anfängen. Dies wird schon in der Verwendung von Staubsaugern in den frühen Arbeiten deutlich. Auch in der Serie Celebration gehen zahlreiche Werke auf Ballonfiguren zurück, wie man sie von Strassenclowns her kennt. So lässt der Künstler etwa in Balloon Dog (Red) aus einem hauchzarten, vergänglichen Ballonhündchen einen Dauer verheissenden, urbildartigen Riesenhund aus Chromstahl entstehen, den Koons selbst zum «Trojanischen Pferd» erklärt. In der perfekten Umsetzung besticht Balloon Dog (Red) auch durch den einzigartigen materiellen Illusionismus – zwar wirkt die Plastik weich und schwerelos, doch ist sie in Wirklichkeit hart und tonnenschwer.

 
Play-Doh, 1995–2007. Öl auf Leinwand, 333,4 x 282,5 cm, Besitz des Künstlers © Jeff Koons. Foto: Jeff Koons Studio, New York

Play-Doh, 1995–2007

In Celebration vollzieht Koons den eigentlichen Schritt zur Malerei, die erstmals in seinem Werk ebenbürtig neben die Bildhauerei tritt. Die Mehrzahl der grossformatigen Celebration-Gemälde, darunter das meisterhafte Play-Doh, beruht auf demselben kompositorischen Grundprinzip: Das zentrale Bildsujet wird vor einer drapierten Glanzfolie inszeniert, in der sich einzelne Partien des Objekts, meist verzerrt, unzählige Male verführerisch spiegeln. Ausgangspunkt für die Celebration-Gemälde sind vom Künstler selbst zusammengestellte reale Objektarrangements. Diese Motive werden anschliessend abfotografiert und überarbeitet, und, um ein Vielfaches vergrössert, sorgfältig auf die Leinwand übertragen. Ästhetisch bestechen die Gemälde durch eine «objektive», geradezu hyperrealistische Wirkung, obgleich die Bildfläche, dem Prinzip eines «Malens nach Zahlen» folgend, in streng voneinander abgetrennte Farbfelder unterteilt ist. In Play-Doh steigert Koons ein kindliches Motiv zu einem kraftvollen und sinnlichen Spektakel, bei dem sich die vielfach gespiegelte Figur in einer beinahe abstrakten Farbkomposition aufzulösen scheint.

 
Hanging Heart (Gold/Magenta), 1994–2006. Hochlegierter rostfreier Chromstahl mit transparenter Farbglasur, 291 x 280 x 101,5 cm, Besitz des Künstlers © Jeff Koons. Foto: Jeff Koons Studio, New York

Hanging Heart (Gold/Magenta), 1994–2006

In den Werken aus der Celebration-Serie liegt der Akzent auf vertrauten dekorativen Dingen, die durch materielle und massstäbliche Verwandlungen des vorgefundenen Objekts zu monumentalen Plastiken aus hochlegiertem rostfreiem Chromstahl erhoben werden. Unter diesen Dingen finden sich Geschenkartikel für Weihnachten oder den Valentinstag, wie sie auch als Ausgangspunkt für das symbolträchtige Hanging Heart dienten. In ihrer Symbolik evozieren diese Motive nicht selten zeitlose Themen wie Liebe, Leben und Vergänglichkeit.

 
Balloon Flower (Blue), 1995–2000. Hochlegierter rostfreier Chromstahl mit transparenter Farbglasur, 340 x 285 x 260 cm, Privatsammlung, installiert im Berower Park der Fondation Beyeler, Riehen/Basel © Jeff Koons. Fotomontage: Jeff Koons Studio, New York

Balloon Flower (Blue), 1995–2000

Ein Leitmotiv im Schaffen von Koons ist die Blume – traditionelles Sinnbild für Schönheit, Leben und Vergänglichkeit. Diesem verleiht der Künstler eine für ihn typische erotische Dimension. So sind in den einfachen und doch ambivalenten Blumenformen sowohl männliche als auch weibliche Körpermerkmale zu beobachten. Darin wird erneut ein Ideal greifbar, das schon die Staubsauger aus The New und einige Banality-Figuren thematisierten. In den makellosen, verführerisch glänzenden Oberflächen von Balloon Flower (Blue) spiegeln sich Raum und Betrachter wider und treten dabei in unmittelbare Beziehung zu dem Kunstwerk. Balloon Flower (Blue) scheint gleichsam auf der Wasseroberfläche zu schwimmen und vermag gerade in diesem Umfeld eine wundersam-schwerelose Wirkung zu entfalten.

Einführung «Jeff Koons» von Theodora Vischer

Rundgang durch die Ausstellung "Jeff Koons" in der Fondation Beyeler in Riehen, mit einer Einführung durch die Kuratorin Theodora Vischer.

«Split-Rocker» - Einführung von Theodora Vischer

 Kuratorin Theodora Vischer spricht über die Arbeit Split-Rocker des Künstlers Jeff Koons im Park der Fondation Beyeler in Riehen, Schweiz.

Split-Rocker in der Fondation Beyeler

Mit Split-Rocker wird eine kolossale Blumenskulptur aus Abertausenden echten Pflanzen im Park der Fondation Beyeler präsentiert. Die Skulptur führt auf eigene Weise den harmonischen Dialog zwischen Kunst und Natur fort, der für die Fondation Beyeler so charakteristisch geworden ist. Split-Rocker ist 2000 ein erstes Mal im Kreuzgang des Palais des Papes in Avignon aufgestellt worden und ein paar Jahre später in den Gärten von Versailles. Jetzt ist der Split-Rocker in Riehen herangewachsen.

Für seine Blumenskulptur ist Koons von zwei verschiedenen Schaukeltiermotiven ausgegangen, einem Pony und einem Dinosaurier, deren Köpfe er zunächst halbiert und dann neu zusammengesetzt hat. Da die beiden Hälften nicht deckungsgleich sind, entstehen an verschiedenen Stellen spaltartige Zwischenräume, welche die Skulptur öffnen und sie zu einer Unterschlupf bietenden Architektur werden lassen. Als zerlegte und andersartig wieder zusammengesetzte Figur, die gleichzeitig seitlich und nach vorne schaut, bezieht sich Split-Rocker auf den Kubismus eines Pablo Picasso und lenkt ihn zugleich in eine ganz andere Richtung. Als florale Aussenskulptur reiht sich Split-Rocker aber auch in die Tradition der barocken Gartenkunst und der sogenannten Formschnittgärtnerei ein, die heute noch in den populären Vergnügungsparks weiterlebt.

In der Kombination eines Ponys und eines Dinosauriers verkörpert Split-Rocker jene Verbindung von Gegensätzen, die auch in der Idee eines «monströsen», riesenhaften Kinderspielzeugs zum Ausdruck kommt. Dabei wählt der Künstler ausgerechnet vergängliche Blumen als Material für sein Dauer verheissendes Monument. Nicht zuletzt in diesem besonderen Zusammenspiel vermeintlicher Widersprüche liegt auch die eigentliche Spannung und Kraft der Kunst von Jeff Koons.

Die Aussenskulptur Split-Rocker wurde ermöglicht durch den substanziellen Beitrag von JTI.

Katalog zur Ausstellung

Jeff Koons’ künstlerisches Schaffen anhand von drei zentralen Werkgruppen.

Mit seinen unverkennbaren Kunstwerken hat Jeff Koons (*1955 in York, Pennsylvania), der heute zu den bekanntesten Künstlern der Gegenwart gehört, seit den 1980er-Jahren immer wieder für Furore gesorgt.

Die Publikation widmet sich in vertiefter Weise den drei zentralen Werkgruppen The New (1980–1987), Banality (1988) und Celebration (seit 1994). Jede dieser drei Gruppen steht für einen aufsehenerregenden und folgenreichen Schritt im Schaffen von Jeff Koons. Die readymadeartigen Objekte von The New wandeln sich in Banality zu wundersam-provokativen, in traditionellem Handwerk gefertigten Skulpturen. Einige Jahre später tritt mit Celebration die Malerei ebenbürtig neben die Skulptur. So vermögen diese drei prägenden, manifestartigen Stationen einen repräsentativen Einblick in die Arbeit und das Denken von Jeff Koons zu vermitteln.

Mit einem Gespräch von Theodora Vischer mit Jeff Koons und Beiträgen von Raphaël Bouvier und Günther Vogt.

Hrsg. Fondation Beyeler, 2012, 212 Seiten, ca. 80 Abb., davon ca. 70 farbig, 24,5 x 30,5 cm
Hardcover mit einem Entwurf des Künstlers

Link zum Katalog

Jeff Koons, 2012, Foto: Chris Fanning

Biographie

Jeff Koons (*1955, in Pennsylvania)

1955 Jeff Koons wird in York im Bundesstaat Pennsylvania geboren, wo er seine Kindheit verbringt.

1972-1976 Koons studiert Kunst und Design am Maryland Institute College of Art in Baltimore. 1975 geht er für ein Austauschjahr an die School of the Art Institute of Chicago. Im Jahr darauf verlässt er Chicago Richtung New York.

1977 Koons arbeitet in The Museum of Modern Art, wo er neue Mitglieder für das Museum anwirbt. Bis 1979 entwickelt er seine erste Werkgruppe, bestehend aus kombinierten Readymades, in denen aufblasbare Figuren auf und vor Spiegeln platziert sind.

1979 Koons beginnt mit Haushaltsgeräten zu arbeiten, die er für eine später Pre-New getaufte Serie an Leuchtstoffröhren befestigt. Das erste Werk mit einem Staubsauger entsteht. Koons arbeitet als Broker an der Wall Street, um die Produktion seiner Kunstwerke finanzieren zu können.

1980 Koons richtet in The New Museum of Contemporary Art in New York als seine erste Ausstellung eine Schaufensterinstallation ein. Hieraus entwickelt sich die Serie The New.

1983 Koons skizziert die ersten Wassertanks für die Werkgruppe Equilibrium.

1985 Koons hat seine erste eigentliche Einzelausstellung in der Galerie International With Monument in New York.

1986 Koons‘ Serien Luxury and Degradation und Statuary entstehen. Sämtliche Skulpturen daraus bestehen aus rostfreiem Chromstahl.

1987 Koons wird zu Skulptur Projekte Münster eingeladen und schafft dafür Kiepenkerl aus rostfreiem Chromstahl.

1988 Koons’ neue Serie Banality wird gleichzeitig in drei bedeutenden Galerien in Köln, New York und Chicago gezeigt. Die Porzellan- und Holzskulpturen stellen die Kritik vor Rätsel.

1991 Die Serie Made in Heaven wird in Köln und New York gezeigt. Die Arbeiten, die den Künstler beim Liebesakt mit Ilona Staller alias Cicciolina zeigen, werden von der Kritik zum Grossteil verrissen. Koons heiratet Ilona Staller.

1992 Koons realisiert die monumentale Blumenskulptur Puppy vor dem Schloss in Bad Arolsen unweit von Kassel. Grosse Museumsretrospektiven finden in Amsterdam, Stuttgart, San Francisco und Minneapolis statt.

1993 Durch seinen kleinen Sohn Ludwig Maximilian inspiriert, entwickelt Koons die umfangreiche Serie Celebration, die aus farbigen Chromstahl- und Polyäthylenskulpturen und Gemälden besteht. Koons trennt sich von Ilona Staller und ein langer Kampf um das Sorgerecht für den Sohn entbrennt.

1999 Koons beginnt mit der neuen Serie Easyfun, die aus Gemälden und Wandskulpturen besteht.

2000 Koons entwirft Split-Rocker, seine zweite Blumenskulptur, die erstmals am Palais des Papes in Avignon gezeigt wird. Er beginnt mit der neuen Gemälde-Serie Easyfun-Ethereal.

2002 Die neue Serie Popeye aus Skulpturen und Gemälden wird in Angriff genommen. Koons heiratet Justine Wheeler.

2004 Koons’ Werk wird in New York beziehungsweise in Oslo und Helsinki mit Retrospektiven geehrt.

2006 Koons‘ Arbeit an der neuen Serie Hulk Elvis beginnt.

2008 Koons sind grosse Ausstellungen in Chicago, New York, Berlin sowie im Versailler Schloss gewidmet. Es beginnt die Arbeit an der neuen Werkgruppe Antiquity.

2012 In der Fondation Beyeler findet Koons‘ erste museale Ausstellung in der Schweiz statt; etwas später wird auch eine Koons-Ausstellung in Frankfurt am Main veranstaltet.