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27. Februar – 22. Mai 2005

Die Blume und die Moderne

Was passiert, wenn das scheinbar allzu liebliche Motiv der Blume auf die radikale Kunst der Moderne stösst? In einer umfassenden, mit gut 160 Werken bestückten Sonderausstellung geht die Fondation Beyeler dieser Frage nach und berücksichtigt dabei erstmals den gesamten Zeitraum der Moderne vom Impressionismus bis heute. Fazit: Es gibt sehr Vieles, das die Moderne offenbar nur „durch die Blume“ ausdrücken konnte – und noch immer kann. Für grosse Künstlerinnen und Künstler der Moderne – Edouard Manet, Vincent van Gogh, Georgia O’Keeffe, Andy Warhol, Jeff Koons – war die Blume sogar ein Schlüsselmotiv, anhand dessen sie wesentliche Entwicklungen der Moderne erfuhren und gestalteten. Abgesehen von Malerei und Plastik spielt die Blume dabei auch in den Bereichen Video und Installationskunst eine wichtige Rolle – und in der Photographie, die im Rahmen dieser Ausstellung zum ersten Mal in grösserem Umfang in der Fondation Beyeler thematisiert wird.

Werke

 
Edouard Manet Blumen in einer Kristallvase, ca. 1882, Öl auf Leinwand, 54,6 x 35,2 cm, Privatsammlung, Schenkung unter Vorbehalt an den französischen Staat, 2000 (links) / Vincent van Gogh, Blühender Kastanienzweig, 1890, Öl auf Leinwand, 72.5 x 91 cm, Stiftung Sammlung E.G. Bührle, Zürich (rechts)

Edouard Manet / Vincent van Gogh

Blumen waren Manets letzte Motive kurz vor seinem Tod. Er malt sie als zerbrechliche Wesen voller Schönheit, die seine eigene unwiderrufliche Vergänglichkeit, sein eigenes angekündigtes Sterben spiegeln. In noch deutlicherer Weise können Blumen für Vincent van Gogh – den wohl grössten Blumenmaler der Moderne – zu eigentlichen Selbstbildnissen werden, in denen sich das ganze Drama der Existenz beispielhaft darstellen lässt. Im „blühenden Kastanienzweig“ aus der Zürcher Stiftung Sammlung E. G. Bührle – einem von van Goghs stärksten späten Bildern – erfährt die hypnotische Kraft des Blühenden kurz vor dem Verwelken eine letzte Steigerung.

 
Paul Klee Paul Klee, Blumenmythos, 1918, 82, Aquarell auf Kreidegrundierung auf Gaze auf Zeitungspapier auf Silberbronzepapier auf Karton, 29 x 15.8 cm , Sprengel Museum Hannover (links) / Max Ernst, Schneeblumen, 1929, Öl auf Leinwand, 130 x 130 cm, Fondation Beyeler, Riehen/Basel © 2005, ProLitteris, Zürich © Photo: Robert Bayer, LAC AG, Basel (rechts)

Paul Klee / Max Ernst

Paul Klees wunderbares kleines Bild „Blumenmythos“ hat der Ausstellung den Titel gegeben. In einer versponnenen Traumwelt lässt Klee die nach oben schwebende Blume – über alles Momentane und Emotionale hinaus – sinnbildartig für eine geheimnisvolle geistige Dimension der Naturkräfte stehen. Immerhin kann man sich die dargestellte Blume hier aber noch als tatsächlich in der Natur vorkommendes Gewächs vorstellen. Ganz anders steht es mit den „Fleurs de neige“, den „Schneeblumen“, von Max Ernst. Wie in anderen Blumenbildern des Künstlers aus dieser Zeit handelt es sich um Blumen, die der Künstler in einer Art parallelen, surrealen Natur der Imagination neu erfunden oder besser geschaffen hat. Die Blume wird hier also zum Bild für die Fähigkeit des modernen Künstlers, Grenzen zu überschreiten und unserer Wahrnehmung neue Welten zugänglich zu machen.

 
Imogen Cunningham, Calla mit Blatt, ca. 1930, Photographie, 33.5 x 26 cm, The Imogen Cunningham Trust © 2005, Imogen Cunningham Trust (links) / Georgia O’Keeffe , Zwei Stechäpfel mit grünen Blättern und blauem Himmel, 1938, Öl auf Leinwand, 122 x 101,4 cm, Privatsammlung, Schweiz © 2005, The Georgia O’Keeffe Foundation / ProLitteris, Zürich (rechts)

Imogen Cunningham / Georgia O'Keeffe

Innerhalb der Tradition waren es nicht selten Frauen, die sich als Spezialistinnen für besonders feinsinnige Blumenmalerei hervortaten. Im Rahmen unserer Ausstellung sind die Künstlerinnen aber nicht mehr blosse Idealbesetzungen für ein besonders subtiles Handwerk, sondern Hauptvertreterinnen der Auseinandersetzung der Moderne mit der Blume. – Besonders beeindruckend sind etwa die Photographien von Imogen Cunningham (1883-1976), in denen sie das Kunststück fertig bringt, die atemberaubend sinnliche Präsenz der Blume jenseits aller Schwülstigkeit in mirakulöser Dichte einzufangen. Mehr als nur oberflächlich verwandt scheinen daneben die berühmten Blumenbilder von Cunninghams Zeitgenossin Georgia O’Keeffe. O’Keeffe’s Blumenbilder sind wie Landschaften, in denen die unermessliche Weite Amerikas mit der Makrosicht auf die genitalisierte Blume verschmilzt.

 
Andy Warhol, Flowers, 1965, Acryl und Siebdruckfarbe auf Leinwand, 213.4 x 369.3 cm, Fondation Beyeler, Riehen/Basel, Sammlung Beyeler

Andy Warhol

Ausgehend von einer in einem Magazin entdeckten Photographie einiger Blumen hat Warhol in den 60er Jahren riesige Zyklen seiner berühmten „Flowers“ geschaffen. Völlig neu war dabei die Idee, die Blume als serielles Element der Natur zu sehen und sie im Siebdruck mit der Idee des massenhaft verbreiteten seriellen Bildes der Gegenwart zu verbinden. Merke: nicht von ungefähr sind die berühmtesten Blumenbilder des 20. Jahrhunderts eine streng urbane Angelegenheit!

 
María Fernanda Cardoso, Friedhof–Vertikaler Garten, 1992/1999, Collection Museum of Contemporary Art San Diego. Museum purchase with funds from Charles C. and Sue K. Edwards © María Fernanda Cardoso (links) / Pipilotti Rist, Ever Is Over All, 1997, audio/video installation, 2 projections overlapping 2 players, 1 audiosystem, dimenstions variabel sound © Pipilotti Rist and Anders Guggisberg Courtesy the artist and Hauser & Wirth Zürich London (rechts)

Maria Fernanda Cardoso / Pipilotti Rist

Eine junge Frau geht die Strasse entlang, in der Hand eine grosse Blume. Lächelnd schreitet sie an den geparkten Autos vorbei und schlägt auf einmal mit ihrer Blume eine Autoscheibe ein. Von einer freundlich nickenden Polizistin alles andere als abgeschreckt, führt sie beseelt und entrückt ihr florales Zerstörungswerk fort. Natur versus Technik? Hier ist die Blume jedenfalls vollends zu etwas ganz Anderem als einem lieblichen, etwas altbackenen Natur-Derivat des Common Sense geworden. Auch Maria Cardoso setzt die Blume anders ein, als wir es gewohnt sind: Eine ganze Wand bedeckt sie mit weissen Plastikblumen, wie sie gewöhnlich für den Schmuck der Friedhöfe in ihrer kolumbianischen Heimat verwendet werden. Zwischen Kitsch und Trauer thematisiert Cardoso die Tragödie der Dauerpräsenz des gewaltsamen Todes in ihrer vom Bürgerkrieg erschütterten Heimat.

 
David Hockney, Mount Fuji and Flowers,1972, Acryl auf Leinwand, 152.4 x 121.9 cm, The Metropolitan Museum of Art, New York, Purchase Mrs. Arthur Hays Sulzberger Gift, 1972 © David Hockney © Photo: 1987, The Metropolitan Museum of Art, New York, Lynton Gardiner (links) / Uwe Wittwer, Wandstück, 2001, Öl auf Leinwand, 145 x 160 cm, Fabian & Claude Walter Galerie, Basel und Zürich © Uwe Wittwer (rechts)

David Hockney / Uwe Wittwer

Heute noch Blumen malen? Kein Problem für den grossen englischen Pop Art-Künstler David Hockney: Hatte er 1972 noch ein wunderbares Bild geschaffen, in dem eine Blume auf einem Fensterbrett als greifbarer Ersatz für die erhabene Gestalt des unwirklich hinter der Fensterscheibe aufragenden Berg Fuji erscheint, malte er 1996 eine ganze Reihe von Blumenbildern, in denen eine pralle Buntheit in ironischer Weise mit einer Leere des Blickes auf die Blume kombiniert wird. Und heute malt Uwe Wittwer auf der Basis von holländischen Stilleben des 17. Jahrhunderts dunkle, verdichtete Blumen, in denen die Tradition als irrlichternder Phantomschmerz gespeichert zu sein scheint.

 
Wolfgang Laib, Blütenstaub von Haselnuss, 2001–03, Haselnussblütenstaub, 150 x 170 cm, Im Besitz des Künstlers © Wolfgang Laib (links) / Andy Goldsworthy, Löwenzahnlinie, Storm King Sculpture Park New York, Mai 2000, Photographie, Bleistift; 43.18 x 130.8 cm, Text: 25.4 x 25.4 cm, Courtesy Galerie Lelong, Paris © Andy Goldsworthy (rechts)

Wolfgang Laib / Andy Goldsworthy

Jenseits des Bildes verdichtet Wolfgang Laib gesammelten Blütenstaub am Boden zu intensiv leuchtenden Quadraten. Hier ist die Blume nicht Motiv, sondern Essenz selbst des Werkes zwischen Natur und geistiger Abstraktion. Anders als Laib erschafft Andy Goldsworthy in der Natur Werke aus vorgefundenen Naturmaterialien, die, der Natur ausgesetzt, innert Kürze wieder verschwinden. Sie werden in Photographien, die Werkcharakter haben, dokumentiert.

 
Anselm Kiefer, Hafis, Omar Kayyam, 1992, Getrocknete Tulpen auf Blei, 102 x 242 cm, Privatsammlung, Courtesy Galerie Beyeler © Anselm Kiefer © Photo: Roberto Marossi

Anselm Kiefer

In der Ausstellung figurieren drei Arbeiten von Anselm Kiefer, auf denen auf Bleiplatten befestigte, getrocknete Tulpen zu sehen sind. Sie enthalten zusätzlich die Namen grosser persischer Dichter und Weiser. Einer von ihnen ist der Astronom und Dichter Omar Kayyam (11./12. Jh.), der als König der Weisen galt und nicht zuletzt auch den im Bild ebenfalls erwähnten, durch Goethe berühmten Dichter und Mystiker Hafis (14. Jh.) beeinflusste. In Kiefers Bild thematisieren die längst verblühten Blumen und die von Rost zerfressene Bleiplatte auf eindrucksvolle Weise die Präsenz der alten orientalischen Dichtkunst und Weisheit, die durch poetische Werke wie dasjenige Kiefers auch bei uns vor dem Vergessen bewahrt werden können. Sowohl Kayyam als auch Hafis haben übrigens die starke Präsenz von Blumen auf ihren Gräbern angekündigt - Hafis nennt sogar wörtlich „ungezählte rote Tulpen“, die aus seinem Grab spriessen werden.

Katalog «Blumenmythos»

Die Fondation Beyeler untersucht in einer umfassenden Ausstellung die Bedeutung des Motivs der Blume in der Kunst der Moderne vom Impressionismus bis heute. Neben Klassikern der Moderne sind dabei auch weniger bekannte und jüngere Künstler zu entdecken. Der Katalog zur Ausstellung präsentiert neben den Werken der Ausstellung auf drei verschiedenen Wegen einen Zugang zum Blumenmythos der Moderne. So erörtert Robert Kopp, Romanist und Professor für französische Literatur und Kulturwissenschaft an der Universität Basel, die literarischen Aspekte der Blumenthematik in der französischen Literatur von der Romantik bis zur frühen Moderne. Die Kuratoren der Ausstellung spüren in einem Essay und anhand einzelner Werkbeschreibungen wichtigen Grundfragen zur Präsenz der Blume in der Moderne nach.

Der Band umfasst circa 208 Seiten mit 140 Abbildungen in Farbe.

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