Notices de salle « Mondrian Evolution »

Cette sélection de tableaux et d’esquisses à l’huile date de la période d’environ 1895 à 1908, pendant laquelle Mondrian est principalement influencé par l’École de La Haye, qui combine un style impressionniste avec la représentation de paysages hollandais évocateurs.

Ces images ont pour thème le paysage des Pays-Bas avec ses corps de ferme sous un ciel souvent chargé de pluie, ses canaux dans lesquels se reflètent le ciel et les moulins à vent. Aux Pays-Bas, les moulins ont surtout pour fonction de drainer le territoire artificiellement gagné sur l’eau et situé sous le niveau de la mer. De toute évidence, Mondrian s’intéressait déjà au rapport entre surface peinte et illusion spatiale, comme le montrent les petits tableaux représentant des paysages avec des fossés et des saules. Et lorsqu’il voulait représenter la lumière du soleil, il faisait appel à une astuce de la peinture hollandaise du XVIIe siècle et peignait du linge blanc, que l’on étendait au soleil pour le sécher et pour le blanchir.

Dans les années autour de 1910, Mondrian fait plusieurs longs séjours sur la presqu’île de Walcheren en Zélande sur la côte de la mer du Nord. Il y peint des vues de la plage avec ses brise-lames caractéristiques s’avançant à l’horizontale dans les flots, parmi elles Plage avec cinq jetées à Domburg. Mais Mondrian crée aussi des compositions verticales en peignant différentes tours, les repères de ce paysage. Deux tableaux datant de 1909/10 et 1911 représentent les clochers de Zoutelande et de Domburg. Chacun à leur manière, ils sont véritablement construits par la couleur : le premier est composé de touches de couleur rouge orangé. Le clocher de Domburg apparaît également dans la lumière du soir. Sa partie supérieure est baignée de rose par les derniers rayons du soleil tandis que la partie inférieure est déjà plongée dans l’ombre bleutée. Mondrian saisit l’atmosphère qui enveloppe le bâtiment de manière spectaculaire au moyen de polygones bleus flottant en avant de l’architecture et d’un fond vert.

Le phare de Westkapelle est peint avec de longs traits de pinceau verticaux, qui accentuent l’impression de hauteur que dégage le bâtiment. Nous avons également accroché dans cette salle un tableau de 1936 qui ne figure pas de tour mais une composition verticale abstraite.

Soir : L’Arbre rouge saisit le moment fugace auquel la lueur du soleil couchant illumine un arbre de rouge vif devant un ciel déjà bleu profond. Le motif de l’arbre a continué à fasciner Mondrian même après que sa rencontre avec le cubisme à Paris l’a incité à faire un pas de plus en direction de l’abstraction. Cependant, prenant la nature pour point de départ, son attention se déplace : dans l’impressionnante toile de 1912, accrochée juste à côté de Soir : L’Arbre rouge, il ne cherche pas tant à montrer comment l’arbre apparaît dans la lumière mais en fait plutôt une image de croissance. Le rouge, que l’on ne distingue que dans un deuxième temps parmi les tonalités de gris qui dominent, ne reflète pas la lumière du soleil. Ici, il pourrait être vu comme signe du retour de la croissance au printemps après un hiver rigoureux.

Toutes les oeuvres réunies dans cette salle, même lorsqu’elles semblent déjà très éloignées du modèle de la nature, sont porteuses de l’idée que la peinture et l’art sont liés à la notion de croissance organique.

Cette salle réunit des oeuvres de trois périodes importantes du travail de Mondrian, toutes réalisées avant qu’il ne se concentre sur des compositions radicalement abstraites. Influencé entre autres par Vincent van Gogh, vers 1908 Mondrian peint des oeuvres expressives aux couleurs vives. La plus célèbre d’entre elles est Moulin au soleil avec ses tonalités éclatantes de jaune et de rouge, qui fit scandale lors de sa présentation au Stedelijk Museum à Amsterdam ; selon un critique, quiconque peignait ainsi devait souffrir d’hallucinations. Les tableaux que produit Mondrian suite à sa rencontre avec le cubisme entre 1912 et 1914 forment le deuxième groupe. La couleur y est atténuée en faveur d’une grande variété de formes et de lignes. Les tonalités de gris et de brun dominent. Les compositions laissent deviner des modèles issus du monde naturel mais ceux-ci ne jouent plus aucun rôle. Mondrian a conçu des structures qui apparaissent dans l’espace pictural sur un fond indéterminé.

Il serait erroné de supposer qu’un chemin direct mène de ces travaux aux oeuvres abstraites produites par Mondrian à partir des années 1920. C’est ce que montre le groupe de trois moulins à vent, tous peints en 1917. Mondrian semble avoir cherché à pousser la réduction à l’essentiel jusqu’aux dernières limites de la figuration. Dans Moulin le soir, le moulin entièrement plongé dans l’ombre devient une silhouette plane et l’iIlusionnisme de la représentation atteint ses limites, au seuil de l’abstraction.

Lors de ses séjours sur la presqu’île de Walcheren en 1909 et en 1910, Mondrian travaille intensément à représenter les dunes de sable dont les contours évoluent en permanence sous l’action du vent. Il cherche à saisir ce mouvement d’une part en composant ses dunes de points de couleur. D’autre part, il montre l’apparence changeante des dunes suivant les conditions lumineuses. Le tableau de grand format Été, dune en Zélande de 1910 est particulièrement impressionnant à cet égard ; on semble y voir une grande vague sur le point de se briser. La composition suit une ligne ovale, une forme que Mondrian utilisera beaucoup par la suite pour suggérer l’infinitude.

En été 1914, le début de la Première Guerre mondiale empêche Mondrian de rentrer à Paris ; il passe la fin de l’été au bord de la mer, d’abord probablement à Schéveningue, puis à nouveau sur Walcheren. Il dessine la vaste étendue de la mer, utilisant l’ovale en tant que forme abstraite suggérant le déploiement et l’infini. Dans Océan 1, il représente la mer comme un système de lignes noires se rencontrant plus ou moins à angle droit, comme s’il s’agissait – au sens large – d’un agencement libre de signes positifs et négatifs.

Mondrian aimait peindre au crépuscule, lorsque les couleurs et les combinaisons chromatiques sont soumises à des transformations intenses. Il avait probablement étudié la théorie des couleurs de Goethe, qui décrit en détail les ambiances chromatiques qui se manifestent dans la lumière du soir. Mondrian s’intéressait au paraître et non à l’apparence des choses, comme le montre son image d’un arum. Il s’agit d’une plante à fleur blanche, mais dans la lueur du crépuscule Mondrian la dépeint bleue, sertie de rouge scintillant. Environ à la même période, il dessine trois autoportraits qui montrent son visage dans la pénombre du crépuscule, les pupilles grand ouvertes et réceptives aux plus infimes nuances de lumière. Dans l’un de ces autoportraits, Mondrian se concentre exclusivement sur les yeux – sans lesquels la peinture n’existerait pas.

Les représentations de plantes dans un état éphémère de flétrissement et de fanaison sont elles aussi des images de passage et de transition. Mondrian s’y intéresse moins à la mort qu’à la transformation au sens spirituel du terme, comme l’indique le titre du tableau figurant un chrysanthèmeen train de se faner : Métamorphose. Ce titre est possiblement aussi une allusion à Goethe et à son célèbre poème La Métamorphose des plantes.

La dernière salle de l’exposition est consacrée aux compositions abstraites que Mondrian développe après 1917. À partir d’environ 1920, elles mènent à ce que Mondrian nomme le « néoplasticisme » : des images composées de lignes perpendiculaires et de zones de couleur le plus souvent blanches, bleues, rouges et jaunes. La renommée mondiale de Mondrian repose sur ces oeuvres, qui exercent aujourd’hui encore une influence majeure sur l’architecture et le design. L’agencement de la salle fait écho aux compositions abstraites de l’artiste. L’idée est de permettre aux visiteurs·ses de contempler les tableaux en étant le moins possible influencé·e·s par d’autres images, afin de pouvoir se concentrer pleinement sur chaque oeuvre. Cette approche serait probablement du goût de Mondrian, qui était sans doute d’avis qu’un espace d’ordre spirituel pouvait s’ouvrir entre ses oeuvres néoplastiques et la personne les contemplant.

Lorsqu’on se plonge dans la contemplation d’une oeuvre comme N° VI / Composition n° II de 1920, les aires de couleur y déploient une vie étrangement autonome : certaines semblent se détacher vers l’avant, d’autres se dérober vers le fond. Il en résulte une vision scandée par un rythme que Mondrian, grand fan de jazz, a imprimé à ces oeuvres.

Plus on regarde Composition avec jaune et bleu de 1932, une oeuvre de la Collection Beyeler, plus il nous semble que Mondrian y a utilisé différentes teintes de blanc. Cependant, l’analyse de ce tableau par l’équipe de restauration de la Fondation Beyeler a permis de constater que ce n’était pas le cas. Cette impression est due uniquement à l’interaction avec les autres couleurs et à l’orientation des traits de pinceau. Les autres oeuvres de la Collection Beyeler ont également été étudiées, confirmant une hypothèse émise de longue date : Mondrian ne mesurait pas géométriquement ses images néoplastiques mais les composait librement et ne procédait que rarement à des ébauches au fusain. Travaillant à main libre, sans règle ou autre outil, il modifiait et remaniait souvent ses compositions au fil de longues périodes, jusqu’à trouver l’équilibre parfait à ses yeux. D’une part, il émane de ses tableaux une impression de grande exactitude et précision ; d’autre part, ils reposent sur l’intuition de leur créateur, qui pour les composer se laissait guider pleinement par sa perception artistique des formes.

L’exposition se clôt sur une oeuvre de la Collection Beyeler, l’un des célèbres carrés tournés sur une pointe, Picture No. III de 1938. Les lignes verticales et horizontales se croisant à angle droit, combinées à un aplat de rouge, apparaissent comme un détail d’un système bien plus vaste, qui pourrait se poursuivre jusqu’à l’infini. Cet agencement met en lumière l’ambition de Mondrian d’irriguer tous les domaines de la vie visible et invisible avec ses compositions abstraites.