Max Ernst

26. Mai - 8. September 2013

Mit über 160 Gemälden, Collagen, Zeichnungen, Skulpturen und illustrierten Büchern präsentiert die grosse, Max Ernst gewidmete Retrospektive in der Fondation Beyeler anhand zahlreicher Hauptwerke all seine Schaffensphasen, Entdeckungen und Techniken. So erhält der Besucher zum ersten Mal in der Schweiz seit Ernsts Tod 1976 die Gelegenheit, das mannigfaltige Werk dieses Jahrhundertkünstlers in seinem gesamten Reichtum zu erleben.

Max Ernst (1891–1976) gehört zu den vielseitigsten Künstlern der Moderne. Nach seinen Anfängen als revoltierender Dadaist in Köln zog der Künstler 1922 nach Paris, wo er bald zu einem der Pioniere des Surrealismus wurde. Zweimal wurde er während des Zweiten Weltkriegs als feindlicher Ausländer interniert und kam durch den Einsatz des mit ihm befreundeten Dichters Paul Eluard wieder frei. 1941 floh er ins amerikanische Exil, wo er neue Anregungen fand und zugleich für die Generation junger amerikanischer Künstler neue Impulse gab. Ein Jahrzehnt später kehrte er in ein vom Krieg zerstörtes Europa zurück, in dem der einst geschätzte Max Ernst vergessen schien, bevor er als einer der facettenreichsten und faszinierendsten Künstler des 20. Jahrhunderts wiederentdeckt wurde. Im Jahr 1958 wurde Max Ernst französischer Staatsbürger.

Als fortwährender Erfinder neuartiger Figuren, Formen und Techniken wie die Frottage, Grattage, Dekalkomanie (Abklatschtechnik) und Oszillation hat sich Max Ernst ständig weiterorientiert. Dabei schuf er ein einzigartiges Oeuvre, das sich jeder klaren stilistischen Definition entzieht. Dessen Entwicklung haben das bewegte Leben und die wechselnden Aufenthaltsorte des Künstlers in Europa und Amerika mitgeprägt.

Max Ernsts Kreativität im Umgang mit Bild- und Inspirationsquellen, die Brüche zwischen den zahlreichen Werkphasen und Sujets überraschen den Betrachter. Wie ein Revolutionär des Sehens setzte er Bilder neu zusammen, stellte als Surrealist neue Verbindungen zwischen Bildern und dem Bewusstsein des Betrachters her. Was als Konstante bleibt, ist die Beständigkeit des vermeintlichen Widerspruchs. Wie Max Ernsts Leben, so ist auch sein Werk »nicht harmonisch im Sinne der klassischen Komponisten«, so der Künstler selbst. Ein Meister der Metamorphose, war Ernst Suchender und Entdecker, ein Dr.h.c. der Philosophie, der stets seine Fragen erweiterte und sich dabei auch von Astronomie, Ethnologie, Ornithologie, Mathematik und Psychoanalyse inspirieren und sich von seiner Liebe zu Naturwissenschaften und dem kreativen Zufall leiten liess.

Starke Frauen, die unterschiedlicher nicht sein könnten, begleiteten seinen Weg als Mann und Künstler: die spätere Dalì-Muse Gala Eluard, Künstlerin Leonora Carrington, Mäzenin und Sammlerin Peggy Guggenheim und Malerin Dorothea Tanning.

Auch Jahrzehnte nach seinem Tod erscheint Max Ernsts Werk, im beständigen Versuch Traditionen zu überwinden, doch gleichzeitig auf sie Bezug zu nehmen, aktueller denn je. Die Ausstellung zeigt ein Schaffen, das durch Erinnerung und Erfahrung Unbewusstes und Verborgenes aus der Vergangenheit mit dem Erlebten des Gegenwärtigen und dem politischen Zeitgeschehen in Kontakt bringt, um daraus fantastisch-realistische Visionen in die Zukunft zu imaginieren.

Saalheft

Technische Innovationen

Und die aufbrausenden frauen heben und schütteln bedrohlich die hinteren teile ihres leibes (Et les femmes volcaniques relèvent et agitent, d’un air menaçant, la partie postérieure de leur corps), 1929, Collage auf Papier, 20,5 × 20,5 cm, Staatliche Museen zu Berlin, Nationalgalerie, Sammlung Scharf-Gerstenberg © 2013, ProLitteris, Zurich

COLLAGE

Schon um 1919 begann Max Ernst in der Technik der Collage zu arbeiten, welche ihm dazu verhalf, neue Bildwirklichkeiten zu entwerfen oder zu simulieren. Max Ernst fügte seine Collagen aus Illustrationen zusammen, die er verschiedenen Romanen, Lehrmittelkatalogen und Modebroschüren des 19. Jahrhunderts entnahm. Die Fragmente stammten aus Holzstichen, die er mit dem Skalpell ausschnitt, um ein perfektes Ergebnis mit exakten, glatten Schnittkanten zu erzielen. Um 1929/30 schuf Max Ernst seine berühmtesten Collageromane La femme 100 têtes (Die hundertköpfige/kopflose Frau) und Rêve d'une petite fille qui voulut entrer au Carmel (Traum eines jungen Mädchens, das in den Karmeliterorden eintreten möchte), die zu den faszinierendsten und rätselhaftesten Werke des Surrealismus zählen.

Frottage / Grattage

Frottage: Um 1925 begann Max Ernst seine Serie der Histoire Naturelle (Naturgeschichte), in der er zum ersten Mal die Technik der „Frottage“ (frz.“frotter“ = „abreiben“) als halbautomatisches Verfahren anwendete. Dabei legte er Fundstücke aus der Natur etwa Blätter oder Holz, unter ein Blatt Papier und rieb sie mit Bleistift durch. Die so entstandenen Strukturen ergänzte der Künstler zu phantastischen Bildern. In seinen Frottagen erweckt er die unbelebten Gegenstände zu neuem Leben und gibt ihnen eine andere, teilweise ungewohnte Bedeutung. / Die „Grattage“ ist eine künstlerische Technik, die Max Ernst als Übertragung der „Frottage“ auf die Malerei um 1927 entwickelte. Dabei brachte er zunächst auf einer Leinwand mehrere Farbschichten übereinander auf. Unter den so vorbereiteten Malgrund legte der Künstler Gegenstände wie z. B. Metallgitter, Holzbretter oder Schnüre, deren Relief sich durch die Leinwand hindurch abzeichnete. Um diese Strukturen auf das Bild zu übertragen, wurden die oberen Malschichten abgekratzt (frz. „gratter“ = „kratzen“). In einem weiteren Schritt überarbeitete der Künstler dann die sichtbar gewordenen Muster und deutete sie zu Wäldern, Muschelblumen, Vögeln oder versteinerten Städten um.

Dekalkomanie

Die Dekalkomanie ist eine Abklatschtechnik auf Leinwand, bei der die noch feuchte Farbe auf einer Glasplatte oder einem Papier flachgedrückt wird, so dass beim Abheben feine Farbverläufe, Blasen und Marmorierungen entstehen. Anschliessend bearbeitet der Künstler die komplexe Oberflächenstruktur weiter. Dieses künstlerische Verfahren war schon im 18. Jahrhundert entstanden und wurde auch von anderen Künstlern des Surrealismus aufgegriffen. Max Ernst übernahm die Technik gegen Ende der 1930er-Jahre, sie diente ihm bei der Darstellung von rätselhaften Landschaften bevölkert von unheimlichen Gesichtern, Gestalten und Tieren, die sich im Dickicht der Natur verbergen.

Oszillation

Um 1942 im amerikanischen Exil begann Max Ernst die Technik der Oszillation zu entwickeln. Dabei liess der Künstler die Farbe aus einer mit Löchern versehenen Dose tropfen, die er in pendelnden Schwüngen an einer langen Schnur über die Leinwand führte. Dieses weitgehend unkontrollierbare und ebenfalls halbautomatische Verfahren bringt netzartige Kompositionen aus Kreisen, Linien und Punkten auf die Bildfläche, die an Planetenbahnen erinnern. In Gestalt der Oszillation kündigte sich also eine innovative Technik an, die zunächst die künstlerischen Verfahren des Surrealismus um eine weitere Facette erweiterte, aber welche auch Jackson Pollocks Drip-Painting vorwegnahm.

Köln

Die nahe Pubertät (Die Plejaden), 1921

Für dieses Werk hat Max Ernst einen liegenden weiblichen Akt aus der Vorlage herausgeschnitten, um 90 Grad gedreht und auf den bemalten Untergrund geklebt. Obwohl das Gesicht der Frau fehlt, erahnen wir ihren versonnenen Blick auf einen unterhalb von ihr vorbeifliegenden Stein. Die rechte Hand hat sie zum Kopf geführt, mit dem linken Arm durchdringt sie wie mit einem Schwert einen dunklen Kreis. Die Bildunterschrift integriert der Künstler als gleichberechtigtes Element in das Werk. Wie das Bild eröffnet dieser Text einen unbegrenzten Assoziationsraum. In anspielungsreichen Worten legt Max Ernst die Gleichsetzung der Frau mit dem Sternbild der Plejaden nahe. In der griechischen Mythologie sind die Plejaden nach jungfräulichen Nymphen benannt. Diese wurden vom Göttervater Zeus in Sterne verwandelt, um sie vor dem Jäger Orion zu retten. Jungfräulichkeit und Laszivität, Himmlisches und Irdisches, Schweben und Fallen, Anmut und Zerstörung – eine Vielzahl von Gegensätzen hält Max Ernst in diesem Werk in der Balance.

Paris

Beim ersten klaren Wort (Au premier mot limpide), 1923, (ehem. Wandbild aus dem Haus von Paul Éluard in Eaubonne) Öl auf Gips, auf Leinwand übertragen, 232 × 167 cm, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf © 2013, ProLitteris, Zurich Foto: Walter Klein

Beim ersten klaren Wort (Au premier mot limpide), 1923

Beim ersten klaren Wort (Ehemaliges Wandbild aus dem Haus von Paul Éluard in Eaubonne), 1923 Dieses Bild wird von einer rotbraunen Mauer dominiert, die die Sicht auf den blauen Hintergrund weitgehend verdeckt. Durch eine der beiden schmalen Fensteröffnungen greift eine weibliche Hand. Mit gekreuzten Fingern hält sie eine rote Kugel oder Frucht. An dieser ist ein Faden befestigt, der mit Nägeln an der Wand aufgehängt ist und die Form des Buchstaben »M« bildet. Gemeinsam mit dem »X« der Finger lässt sich diese Form als monogrammartige Signatur von Max Ernst deuten. Das Motiv der Finger, das auf die Illustration eines Zaubertricks zurückgeht, erinnert aber auch an übereinandergeschlagene Frauenbeine – gemeinsam mit den roten Beeren ein Sinnbild der Verführung. Am anderen Ende des Fadens zieht eine Gottesanbeterin, ein Symbol für aggressives sexuelles Verhalten. Die als magisches Rätselbild konzipierte Darstellung gehörte zu einer Reihe von Wandmalereien, die Max Ernst 1923 im Haus des Dichters Paul Éluard ausgeführt hatte. Der Künstler, der noch in seinen Kölner Jahren eine Liebsbeziehung mit Éluards Frau Gala eingegangen war, schuf in Eaubonne ein Werk, das von einer persönlichen, erotischen Symbolik durchzogen ist. In die Motive seines Wandzyklus flossen wohl einige Anspielungen auf die Dreiecksbeziehung ein, die er mit Gala und seinem treuen Freund führte. Das Haus der Éluards wurde später verkauft. Erst Ende der 1960er-Jahre wurden die mit Tapeten überklebten Malereien wiederentdeckt, abgelöst und auf Leinwand übertragen. Die heutigen Titel stammen aus Gedichten von Max Ernst, der nebst seinen Arbeiten als bildender Künstler auch ein umfangreiches schriftstellerisches Werk hinterlassen hat.

Die Jungfrau züchtigt das Jesuskind vor drei Zeugen: André Breton, Paul Éluard und dem Maler (La Vierge corrigeant l’enfant Jésus devant trois témoins: André Breton, Paul Éluard et le peintre), 1926, Öl auf Leinwand, 196 × 130 cm, Museum Ludwig, Köln © 2013, ProLitteris, Zurich

Die Jungfrau züchtigt das Jesuskind vor drei Zeugen, 1926

Die Jungfrau züchtigt das Jesuskind vor drei Zeugen: André Breton, Paul Éluard und dem Maler, 1926 Drei Zeugen beobachten durch eine kleine Fensteröffnung die unglaubliche Szene: André Breton, Paul Éluard und – mit offenen Augen – Max Ernst. Aber nicht nur der Theoretiker des Surrealismus und seine Freunde, der Dichter und der Maler, sondern auch wir, die Betrachterinnen und Betrachter, werden Zeugen dieser bis dahin noch nie gesehenen Begebenheit. Uns zugewandt, in angespannter Haltung auf einem Sockel sitzend, schlägt die blau-rot bekleidete und mit einem Nimbus bekrönte Madonna auf ihr Kind ein. Der Knabe liegt bäuchlings auf dem Schoss seiner Mutter, nackt, die Beine oben, der blond gelockte Kopf unten. Die Gesässbacken sind von den heftigen Schlägen gerötet, die Finger der linken Hand schmerzgekrümmt, und der Heiligenschein liegt wie ein profanes Objekt am Boden beziehungsweise auf der Kante des Sockels. Nicht die Madonna in ihrer rasenden Wut, sondern der Jesusknabe hat den Nimbus verloren. Dieser rahmt nun die Signatur des Künstlers ein – eine weitere provokative Verschiebung in diesem kulissenhaft nach oben hin geöffneten Bildgefüge

Schneeblumen, 1929

Die hellen, bunten Formen, die über die Leinwand schwirren, erinnern an verstreute Blüten oder Stofffetzchen. Mehrere Blütenbüschel sind an braunen Stängeln fixiert. Die feinen Schattierungen und Farbverläufe verleihen den einzelnen Blumen eine geradezu plastische Wirkung. Meisterlich gestaltet Max Ernst hier den Übergang von der Zweidimensionalität zur räumlichen Illusion. Das Bild täuscht unsere Sinne: Was wir als Hintergrund wahrnehmen, ist der Vordergrund. Mit anderen Worten: Der Künstler hat nicht bunte Farbformen auf einen dunklen Hintergrund gesetzt, sondern einen üppig bemalten Farbgrund mit einer dunkelgrünen, schwarzen und blauen Fläche zugedeckt. Die floralen Gebilde sind »Überreste« der ursprünglich bunt bemalten Leinwand. Die ausgesparten »Schneeblumen« weisen zudem ganz verschiedenartige Oberflächen auf – auch dadurch bringt Max Ernst gekonnt und kontrolliert die Bildfläche zum Blühen.

Die ganze Stadt, 1935/36

In seinem prachtvollen Gemälde La ville entière zeigt uns Max Ernst eine geheimnisvolle Landschaft mit einer imposanten Stadtarchitektur, die sich in mehreren Stufen und Schichten über einen Hügel erstreckt. Ein machtvolles gelbgrünes Gestirn steht am Himmel, und im Vordergrund – in extremer Nahsicht – breitet sich ein undurchdringlicher Gräserdschungel aus. In diesem Bild verbindet Max Ernst nicht nur Nah- und Fernsicht, sondern auch verschiedene Zeitebenen. Die Stadt erinnert an eine antike Ruinenstätte, an untergegangene Zivilisationen mit archaischen Tempelarchitekturen. Vielleicht entwirft das Bild auch eine Zukunftsvision. In jedem Fall ist es eine Fundstätte des Imaginären, eine Architektur des Traums.

Der Hausengel (Der Triumph des Surrealismus), 1937

»Ein Bild, das ich nach der Niederlage der Republikaner in Spanien gemalt habe, ist der Hausengel. Das ist natürlich ein ironischer Titel für eine Art Trampeltier, das alles, was ihm in den Weg kommt, zerstört und vernichtet. Das war mein damaliger Eindruck von dem was in der Welt wohl vor sich gehen würde, und ich habe damit recht gehabt.« Der Spanische Bürgerkrieg war 1936 ausgebrochen. Max Ernst war wie viele Künstler der Pariser Avantgarde ein entschiedener Gegner des spanischen Generals Franco, der von den Nationalsozialisten unterstützt wurde. So kann die wilde Bestie im Gemälde als Verkörperung des Unheils angesehen werden, das der Faschismus nicht nur über Spanien, sondern über ganz Europa brachte. – Eine alternative Sichtweise bot Max Ernst an, als er sich 1938 spontan für einen anderen Titel entschied: Der Triumph des Surrealismus. Damit machte er das Werk kurzerhand zu einem Programmbild des Surrealismus und dessen revolutionären Anspruchs.

Die Natur im Morgenlicht (Abendlied), 1938

Üppig wuchernde Pflanzen, ein Gewirr von Blättern, Stängeln, Knospen und Blüten. Es ist kein Zufall, dass die Bildsprache an die Werke des französischen Malers Henri Rousseau erinnert, wurde dieser Künstler doch von Max Ernst sehr bewundert. Bei genauerem Hinsehen entdeckt man in La nature à l’aurore verschiedene Lebewesen: etwa rechts ein vogelartiges, blau-rotes Geschöpf mit menschlicher Hand und in der linken Bildhälfte, leicht nach hinten versetzt, ein blau gekleidetes Wesen. Überall erspäht man Fratzen, Augen, Beine, Füsse und andere Körperteile. Gräser von baumartigem Wuchs bilden ein undurchdringliches Dickicht, und Stempel, Blüten und Fruchtknoten verheissen höchste Fruchtbarkeit. Der Pflanzendschungel ist mit gefrässigen, unheimlichen und gut getarnten Lebewesen dicht bevölkert. Max Ernst präsentiert uns in diesem Gemälde keine paradiesische Natur, sondern ein Grasstück mit Tieren, von dem unsere Biologiebücher bislang noch nie etwas berichtet haben.

Die Einkleidung der Braut (L’habillement de l’épousée / de la mariée), 1940 Öl auf Leinwand, 129,6 × 96,3 cm, Peggy Guggenheim Collection, Venedig (Solomon R. Guggenheim Foundation, New York) © 2013, ProLitteris, Zurich

Die Einkleidung der Braut, 1940

Eine Szene wie auf einer Theaterbühne: Eine halb nackte Frau mit mächtig aufgebauschter Vogelmaske und opulentem rotem Umhang ist von einem unheimlichen Hofstaat umgeben. Links neben ihr steht ein rätselhaftes Wesen, halb Mensch, halb Vogel. Beschützt dieser Wächter die Frau – oder hält er sie gefangen? Der Pfeil in seiner Hand ist jedenfalls zerbrochen und wird ihm keine Dienste mehr leisten. In der Kunstgeschichte ist der Pfeil ein erotisches Motiv, das – zumal zerbrochen – als Symbol der Entjungferung gelesen werden kann. Die Pfeilspitze deutet auch unmissverständlich auf den Schoss der Vogelfrau, die sich mit ihren Händen nach zwei Seiten hin zu wehren scheint. Die Einkleidung der Braut, so der Titel des Gemäldes, wiederholt sich im Hintergrund als Bild im Bild. Dort steht die rot kostümierte Vogelfrau vor einer Ruinenlandschaft. In Max Ernsts Kosmos erscheint die Frau immer wieder in unterschiedlichsten Rollen: als Jungfrau, Braut, Opfer, Täterin, als monströses Mischwesen oder Femme fatale.

USA

Napoleon in der Wildnis (Napoleon in the Wilderness), 1941, Öl auf Leinwand, 46,3 × 38 cm, The Museum of Modern Art, New York © 2013, ProLitteris, Zürich Foto: © 2013, Digital image, The Museum of Modern Art, New York / Scala, Florence

Napoleon in der Wildnis, 1941

Als Max Ernst 1941 von Portugal aus die Flucht in die USA gelang, hatte er unter anderem dieses Bild im Gepäck: Napoleon in der Wildnis. In Amerika arbeitete er weiter an dem rätselhaften Werk. Es zeigt eine merkwürdige Ansammlung von Figuren an einem üppig wuchernden Meeresstrand: eine pferdeköpfige Figur in Napoleon-Pose auf stelzenartigen Beinen, einen gläsernen Totempfahl, ein Meeresungeheuer und eine verführerische Frau, deren korallenartiges Kleid ihren nackten Körper mehr enthüllt als verdeckt. Sie hält in ihrer Rechten ein saxofonähnliches Instrument – eine deutliche Anspielung auf Amerika und seine Musikkultur, die Max Ernst auf einer Rundreise unter anderem in New Orleans kennengelernt hatte. Das Ende des Instruments verwandelt sich allerdings in ein Mischwesen mit aufgerissenem Maul. Will die Sirene den Protagonisten ins Verderben locken, wie es einst dem antiken Helden Odysseus widerfuhr? Gestrandet in einem fremden Land, wirkt die männliche Figur verloren. Es liegt daher nahe, das Bild im Zusammenhang mit der Situation des Künstlers im Exil zu deuten.

Der König spielt mit seiner Königin, 1944

Beim Betrachten der Gipsskulptur The King Playing with the Queen werden wir augenblicklich ins Geschehen hineingezogen: Der gehörnte, diabolische König ist unser Spielpartner. Er ragt aus einem zweistufigen Block heraus, und vor ihm – oder zwischen ihm und uns – liegt, leicht erhöht, eine schmale Platte mit sieben Figuren, die aufgrund ihrer Aufstellung leicht als Schachfiguren identifiziert werden können. Zwischen Läufer und Königin klafft eine grosse Lücke – da müsste normalerweise der König stehen. Max Ernst hat ihn vom Spielbrett genommen und nach hinten versetzt. Die Schachfigur wird damit selber zum Schachspieler. Ihm sind lange dünne Arme gewachsen, die eigenmächtig ins Spiel eingreifen! Schon hat er eine Figur, einen Bauern, geschnappt und hinter seinem Rücken versteckt. Wir sehen gebannt zu, wie das Spiel sich selbst spielt und wie der König uns »betrügt«. Er erscheint uns als übermächtiger Feldherr, der nicht nur mit seiner Königin schaltet und waltet, wie er will

Die Versuchung des heiligen Antonius, 1945

1945 beteiligte sich Max Ernst an einem ungewöhnlichen Kunstwettbewerb: Für den Film The Private Affairs of Bel Ami nach einem Roman von Guy de Maupassant suchte der Regisseur Albert Lewin ein Bild mit der Versuchung des heiligen Antonius. Das Werk sollte in einer Schlüsselszene des Schwarz-Weiss-Films als Grossaufnahme in Farbe erscheinen. Max Ernsts Gemälde gewann den ersten Preis. In seiner ebenso fantastischen wie grausamen Darstellung der Legende greift er auf Vorbilder aus dem Spätmittelalter, der Renaissance und des Symbolismus zurück. Vor allem die entsprechende Szene des Isenheimer Altars von Matthias Grünewald inspirierte den Surrealisten. Max Ernst stellt eindrücklich dar, wie Antonius, der Asket, von Dämonen gequält wird, die danach trachten, ihn von seinem frommen Leben als Einsiedler abzubringen.

Frankreich

Der Garten Frankreichs, 1962

1953 ist Max Ernst aus den USA nach Paris zurückgekehrt. Das Gemälde Der Garten Frankreichs schuf er im Jahr 1962 in Huismes (Touraine), in der Gegend zwischen den Flüssen Indre und Loire, wo er ein Haus für sich und seine Frau, die Künstlerin Dorothea Tanning, gekauft hatte. Die neue Wahlheimat zeigt Max Ernst aus der Vogelperspektive, gewissermassen als Landkarte. Er hat sogar Namen und Fliessrichtung der beiden nahen Gewässer vermerkt, die in Wirklichkeit jedoch nicht gegenläufig fliessen. Mit der geradezu sachlichen, reduzierten Landschaftsdarstellung verschmilzt ein nackter Frauenkörper – die Kopie eines Akts aus dem 19. Jahrhundert, die Max Ernst übermalt hat. Es könnte sich um eine Venus, aber auch um Kleopatra oder Eva handeln, denn wir sehen eine Schlange, die sich um das obere Knie des Akts windet. Fruchtbarkeit und Verfall sind in diesem Paradies auf alle Fälle eng miteinander verbunden.

Der Garten Frankreichs (Le jardin de la France), 1962, Öl auf Leinwand, 114 × 168 cm, Musée national d’art moderne, Centre Georges Pompidou, Paris © Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand Palais / Jean-Claude Planchet © 2013, ProLitteris, Zurich

Katalog zur Ausstellung

Max Ernst (1891–1976) gehört zu den vielseitigsten Künstlern der Moderne. Nach seinen Anfängen als Dadaist in Köln wurde er bald zu einem der Pioniere des Surrealismus in Paris. Als fortwährender Entdecker neuer Figuren, Formen und Techniken hat sich Max Ernst auch später ständig weiterorientiert. Dabei hat er ein einzigartiges Werk geschaffen, dessen Entwicklung vom bewegten Leben und den wechselnden Aufenthaltsorten des Künstlers in Europa und Amerika mitgeprägt ist. Sein Erfindungsreichtum im Umgang mit Bild- und Inspirationsquellen, die Brüche zwischen Werkphasen und der Wechsel der Themen beeindrucken. Die Publikation zeigt das Œuvre des Künstlers in seinem gesamten Reichtum anhand einer exemplarischen Auswahl von rund 190 Gemälden, Zeichnungen, Collagen und Skulpturen, die den Werkprozess zwischen Rückgriffen auf Vergangenes, dem damaligen politischen Zeitgeschehen und einem visionären Blick in die Zukunft erlebbar machen.

Hrsg. Werner Spies, Julia Drost, Albertina, Fondation Beyeler, Vorwort von Klaus Albrecht Schröder, Sam Keller, Texte von Gunhild Bauer, Raphaël Bouvier, Julia Drost, Gisela Fischer, Ioana Jimborean, Jürgen Pech, Werner Spies, Adrian Sudhalter, Ralph Ubl, Tanja Wessolowski, Gabriele Wix, Gestaltung von Andreas Platzgummer

352 Seiten, 343 farbige Abb., 26,00 x 30,20 cm, gebunden mit Schutzumschlag Deutsche Ausgabe ISBN 978-3-7757-3446-2 Englische Ausgabe ISBN 978-3-7757-3447-9

Link zum Katalog

Max Ernst, 1891 – 1976

Deutschland 1891 – 1922
1891 Max Ernst wird am 2. April in Brühl bei Köln geboren. Er ist das dritte von insgesamt neun Kindern des Taubstummenlehrers und Amateurmalers Philipp Ernst und seiner Frau Luise.

1910 – 1914 Studium an der Universität Bonn: Klassische Philosophie, Psychologie, Psychiatrie und Kunstgeschichte.

1913 Teilnahme an der Ausstellung Rheinischer Expressionisten und erster kurzer Aufenthalt in Paris. Im Haus von August Macke begegnet er Guillaume Apollinaire und Robert Delaunay.

1914 Beginn der Freundschaft mit Hans Arp, dem er in der Kölner Galerie Feldmann begegnet. Im ersten Weltkrieg Einberufung als Artillerist.

1918 Heirat mit der Kunsthistorikerin Luise Straus.

1919 Gründet mit Hans Arp und Johannes Theodor Baargeld die Kölner Dada-Gruppe. Dada-Ausstellung in Köln. Max Ernst fertigt seine ersten Collagen an. Besuch bei Paul Klee in München.

1920 Geburt seines Sohnes Hans-Ulrich Ernst, genannt Jimmy.

1921 Erste Ausstellung von Collagen in Paris. Ferienaufenthalt mit Hans Arp, Sophie Taeuber, Tristan Tzara und André Breton in Tarrenz (Tirol).

Frankreich 1922 – 1941
1922 Übersiedlung von Max Ernst nach Paris und Trennung von Frau und Sohn.

1923 Max Ernst zieht nach Eaubonne bei Paris mit Paul und Gala Éluard und übernimmt die Ausmalung der Räume. Er stellt im Pariser Salon der Indépendants aus.

1924 André Breton veröffentlicht sein erstes surrealistisches Manifest.

1925 Der Pariser Galerist Jacques Viot nimmt Max Ernst unter Vertrag. Erste Frottagen entstehen.

1926 Scheidung von Luise Straus.

1927 Heirat mit Marie-Berthe Aurenche. Max Ernst beginnt mit den Serien der Horden, Wälder, Muschelblumen und Vogeldenkmäler.

1929 Veröffentlichung des ersten Collage-Romans La femme 100 têtes.

1930 Kurze Rolle in Luis Buñuels Film L’âge d’or. Gründung der Zeitschrift Le surréalisme au service de la révolution. Begegnung mit Alberto Giacometti.

1932 Erste Einzelausstellungen in den USA in der Julien Levy Gallery, New York.

1934 Sommeraufenthalt in Zürich, um in der Corso Bar ein Wandbild zu realisieren. Lernt den Schriftsteller James Joyce kennen.

1936 Verlässt Marie-Berthe Aurenche. 48 seiner Gemälde sind in der New Yorker Ausstellung Fantastic Art, Dada, Surrealism zu sehen.

1937 Veröffentlichung des Aufsatzes Au-delà de la peinture in der Zeitschrift Cahiers d’art. Die Sondernummer ist Max Ernst gewidmet. Das Gemälde „Der Hausengel (Der Triumph des Surrealismus)“ entsteht. In Deutschland werden zahlreiche Bilder konfisziert und ein Gemälde wird in der Münchner Feme-Ausstellung Entartete Kunst gezeigt.

1938 Max Ernst verlässt die Surrealistengruppe und zieht mit seiner Geliebten, der Künstlerin Leonora Carrington, nach Saint-Martin d’Ardèche in Südfrankreich.

1939/40 Als „feindlicher Ausländer“ wird Max Ernst zweimal interniert. Freilassung auf Fürsprache Paul Éluards. Zahlreiche Werke in Abklatschtechnik (Dekalkomanie) entstehen.

Amerika 1941 – 1953
1941 Peggy Guggenheim ermöglicht seine Flucht in die USA. Mit ihr reist er nach Kalifornien, Arizona, New Mexico, New Orleans. Heirat mit Peggy Guggenheim im Dezember.

1941 Teilnahme an der von André Breton und von Marcel Duchamp inszenierten Ausstellung First Papers of Surrealism in New York und Herausgabe der Zeitschrift VVV. Lernt die Künstlerin Dorothea Tanning kennen. Entwickelt die Technik der Oszillation.

1943 Scheidung von Peggy Guggenheim. Verbringt den Sommer mit Dorothea Tanning in Arizona.

1944 Max Ernst arbeitet in Great River, Long Island, und schafft eine neue Serie von Skulpturen.

1945 Schreibt ein Drehbuch für eine Episode in Hans Richters Film Dreams That Money Can Buy in der er als Darsteller mitwirkt.

1946 Zieht mit Dorothea Tanning nach Sedona, Arizona, wo sie ein Haus bauen. Doppelhochzeit in Beverly Hills: Max Ernst heiratet Dorothea Tanning, Man Ray heiratet Juliet Browner.

1947 In der Galerie Maeght, Paris, findet die letzte grosse Surrealistenausstellung statt.

1948 Beginn der Arbeit an der Plastik Capricorne (Steinbock). Robert Motherwell veröffentlicht Max Ernst. Beyond Painting, and Other Writings by Max Ernst and his Friends. Max Ernst erhält die amerikanische Staatsbürgerschaft.

1950 Reise nach Europa mit Dorothea Tanning. Mietet ein Atelier in Paris.

1951 Anlässlich seines 60. Geburtstags wird in seiner Geburtsstadt Brühl die erste deutsche Retrospektive gezeigt.

1952 Yves Tanguy zu Besuch in Sedona Max Ernst hält eine Serie von Vorlesungen in Honolulu.

Europa 1953 – 1976
1953 Dorothea Tanning und Max Ernst kehren nach Paris zurück. Er arbeitet in der Impasse Ronsin neben dem Atelier von Constantin Brancusi. Das mit acht Lithografien illustrierte Gedicht Das Schnabelpaar erscheint im Verlag Ernst Beyeler.

1954 Auf der 27. Biennale in Venedig erhält Max Ernst den Grossen Preis für Malerei. Daraufhin wird er von André Breton von der Surrealistengruppe ausgeschlossen.

1955 Gemeinsam mit Dorothea Tanning zieht er nach Huismes bei Chinon (Touraine). Erste Einzelausstellung in der Galerie Beyeler.

1956 Max Ernst wird Mitglied der Berliner Akademie der Künste. Die Kunsthalle Bern widmet Max Ernst eine Retrospektive.

1957 Max Ernst erhält den Grossen Preis für Malerei des Landes Nordrhein-Westfalen. Erneute Zusammenarbeit mit Regisseur Hans Richter für dessen Film 8 x 8.

1958 Er wird französischer Staatsbürger. Im September ist er mit 40 Werken in der Ausstellung DADA. Dokumente einer Bewegung in der Düsseldorfer Kunsthalle und im Stedelijk Museum in Amsterdam vertreten.

1959 – 1962 Grosse Retrospektiven in Paris, New York, Chicago, London, Köln und Zürich.

1963 Peter Schamoni dreht den Film Entdeckungsfahrten ins Unbewusste über Max Ernst. Zwei Jahre später wird er den Film über Ernsts Leben: Mein Vagabundieren – meine Unruhe realisieren.

1964 Max Ernst und Dorothea Tanning lassen sich in Südfrankreich (Seillans) nieder. Teilnahme an der documenta III.

1966 Ernennung zum Offizier der Ehrenlegion. Teilnahme an Ausstellungen in Venedig, Zürich, Bern. Begegnung mit Werner Spies.

1967 Farbradierungen für Samuel Becketts Aus einem aufgegebenen Werk. Goldschmiedearbeiten in der Galerie Le Point Cardinal nach Entwürfen von Ernst, Arp, Derain, Hugo, Picasso, Tanning u.a.

1968 Entwicklung des Bühnenbilds zu La Turangalîla von Olivier Messiaen für die Pariser Oper.

1969/70 Grosse Ausstellungen in Stockholm, Amsterdam und Stuttgart. Die wiederentdeckten Wandbilder aus Eaubonne sind bei François Petit in Paris zu sehen.

1972 Verleihung der Ehrendoktorwürde der Universität Bonn. Teilnahme an der documenta 5.

1974 Zweite Einzelausstellung in der Galerie Beyeler.

1975 Reise nach New York anlässlich der grossen Retrospektive im Solomon R. Guggenheim Museum, die anschliessend im Grand Palais in Paris gezeigt wird. Die ersten beiden Bände des Oeuvrekatalogs erscheinen.

1976 Max Ernst stirbt am 1. April, in der Nacht zu seinem 85. Geburtstag, in Paris. Er wird auf dem Friedhof Père Lachaise beigesetzt. Posthum wird ihm der Kaiserring, der Kunstpreis der Stadt Goslar, verliehen.

Max Ernst

Max Ernst

26. Mai - 8. September 2013

Technische Innovationen

COLLAGE

Frottage / Grattage

Dekalkomanie

Oszillation

Köln

Die nahe Pubertät (Die Plejaden), 1921

Paris

Beim ersten klaren Wort (Au premier mot limpide), 1923

Die Jungfrau züchtigt das Jesuskind vor drei Zeugen, 1926

Schneeblumen, 1929

Die ganze Stadt, 1935/36

Der Hausengel (Der Triumph des Surrealismus), 1937

Die Natur im Morgenlicht (Abendlied), 1938

Die Einkleidung der Braut, 1940

USA

Napoleon in der Wildnis, 1941

Der König spielt mit seiner Königin, 1944

Die Versuchung des heiligen Antonius, 1945

Frankreich

Der Garten Frankreichs, 1962

Katalog zur Ausstellung

Max Ernst, 1891 – 1976

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