Fernand Léger

Das Thema der sitzenden Frau hat nicht nur Cézanne, Picasso und Braque beschäftigt, sondern auch Léger, wie die Fondation Beyeler eindrucksvoll zeigt: Seine Femme au fauteuil sitzt monumental, wie aus Elementen einer metallenen Rüstung gebildet, in einem Fauteuil und legt ihre Pranke rechts unten neben eine Kaffeetasse. Léger widersetzt sich hier der Idee, der Maler müsse Illusion erzeugen. Denn in Wahrheit baut er sein Bild aus einzelnen Pinselstrichen: Das ist nicht wirklich eine Sitzende. Léger vergrössert die Striche zu Modulen, die wie Elemente einer Rüstung aussehen, setzt die Frau daraus zusammen und gibt dieser Konstruktion einen Farbklang aus dem Umfeld der Komplementärfarben. Damit schafft er ein Werk, das von Wirklichkeit und Malerei gleichzeitig handelt.

Nach der existenziellen Erfahrung des Ersten Weltkriegs veränderte sich Légers Kunst. Zunehmend liess er den Klang und Rhythmus des modernen Lebens, der ihn in der Grossstadt umgab, in seine Bilder einfliessen und suchte nach einer Kunst der präzisen, monumentalen Heiterkeit. L’horloge ist dicht gefüllt mit verschiedensten Elementen einer industrialisierten Urbanität. Rechts sind Schiffstaue zu sehen, in der Mitte Maschinenelemente, Reklameschriften und die Titel gebende Uhr, die den kreativen Moment genau datiert. Neu ist das Verhältnis von Hinter- und Vordergrund: Es gibt keinen durchgehenden Grund, von dem sich vorne bestimmte Objekte abheben. Vielmehr verzahnen sich die Raumebenen zu einer gedrängten Konstruktion, die als Ganzes keinem gemeinsamen Raumgebilde verpflichtet ist.

Kräftige schwarze Linien – von denen zwei zusätzlich in gegenständlicher Weise mit den Tischbeinen verbunden sind – fixieren die Bildkomposition vertikal in der Bildfläche, lassen aber dazwischen Platz für kontrollierte Manifestationen von Räumlichkeit. Runde und eckige Formen, helle und dunkle Partien sind ebenfalls ausgesprochen ausgewogen tariert und machen aus diesem Bild ein Meisterstück moderner Malerei zwischen formaler Strenge und schlichter Alltäglichkeit.

Légers besonderes Interesse an der Darstellung des Plastischen im Bild findet in Nature morte au masque de plâtre Ausdruck in der weissen Gipsmaske, von der die Komposition dominiert wird. Zu ihr hin nimmt die Illusion der Räumlichkeit von beiden Seiten her zu. Wichtigstes Gegenelement im Sinne der Bildbalance ist die an einen Ventilator erinnernde Scheibe, die eine technische Kühle in die Komposition bringt. Sie bildet einen gewissen Kontrast zum Ernst, der von der Maske ausgeht, die an eine Totenmaske erinnert. In der Form einer abgebildeten Plastik – scheint Léger hier zu sagen – wird im Bild sogar der Mensch zum Stillleben.

Vor leuchtend gelbem Hintergrund steht eine Gruppe von Akrobaten – nicht zuletzt seit Picasso ein wichtiges Thema der Moderne in Frankreich. Das Bild gehört zu den Hauptwerken einer ganzen Familie von Gemälden, in denen die gleichen oder ähnliche Figuren in jeweils anderer Variation miteinander kombiniert werden. Dafür charakteristisch ist, dass das Bild zwar keinen der im Titel genannten Papageien zeigt, ein solcher aber in einer verwandten Komposition zu sehen ist. Insgesamt finden wir hier eine neue Ausprägung von Légers additivem Prinzip, das sich im Bau der einzelnen Figuren wiederholt: So wirken etwa die Arme der Tänzerin links oben wie lose, an den Gelenkstellen vor den Rumpf gelegte Glieder eines Hampelmanns. Resultat dieser zwanglos konstruierten Körperlichkeit ist eine gelöste Monumentalität von wandbildartigem Charakter.